2025.07.04｜採訪・文／陳佩珊

今年是衛武營開館七週年，同時也是歌劇製作邁入第十年的重要里程碑。自2015年《杜蘭朵》起，衛武營已推出15齣備受矚目的歌劇，每每成為藝文界焦點。今年九月，衛武營將盛大呈獻臺灣首度全本演出的華格納歌劇《羅恩格林》。此作為德國萊茵歌劇院2014年原版製作，由導演莎賓娜・哈特曼亨（Sabine Hartmannshenn）將故事場景從中古奇幻世界搬至現代金融企業，賦予全新當代寓意。我們將深入了解這部9月4日至7日於衛武營歌劇院登場的旗艦製作，以及其獨特詮釋背後的藝術理念。

當代語境下的《羅恩格林》：一場關於「相信」的詰問

德國歌劇導演莎賓娜・哈特曼亨以其大膽創新的詮釋手法聞名，並以追求真實與細膩的角色刻畫著稱，這次在衛武營的《羅恩格林》也不例外。她將華格納筆下的中世紀布拉邦（Brabant），大膽地搬到了現代金融世界，讓貴族化身為銀行家。她分享，此構想源起於2008年雷曼兄弟倒閉的金融海嘯餘波，以及德國文化學者約亨・霍里施（Jochen Hörisch）的《你必須相信它：市場的神學》〔註1〕一書，啟發她思考宗教信仰與金錢信仰間的微妙關聯。


▲2014年德國萊茵歌劇院演出劇照（圖｜© Hans Joerg Michel／衛武營國家藝術文化中心提供）

哈特曼亨指出，若將騎士乘白天鵝降臨這類神話場景直接搬上現代舞台，實在難以說服觀眾。因此，她選擇把焦點轉向神話背後所象徵的普世渴望與信仰投射。她解釋：「把羅恩格林視為一位普世的救世主，與當今的金錢殿堂，也就是銀行，放在一起思考，這樣的設定讓我深感興趣。」她引用華格納所認同的「相信奇蹟，就是奇蹟的本身」〔註2〕，進一步連結到當代社會對金錢的信任——其價值來自人們的集體信念，正如羅恩格林的力量，也來自於艾爾莎與布拉邦人對他的信任。在她看來，這樣的信任反映了當代的心理狀態，也就是人們在不確定時期渴望有更高力量的出現，同時也輕易相信未經查證的網路謠言，因為「相信」本身就是一種本能。

談到《羅恩格林》裡最核心的禁令——「不問來歷」，哈特曼亨毫不避諱地提出質疑，特別是針對女主角艾爾莎（Elsa）的處境。她直言：「現在你會嫁給一個你完全不認識的人嗎？我無法接受聖杯騎士期望她不問他是誰的這種信仰。這在我們的現代世界已經行不通了，因為現代女性不會那麼笨到去接受這一切。」在她眼中，艾爾莎的疑問是基於人性的合理反應，而非愚蠢，這種詮釋顛覆了傳統對這個角色的刻板想像。哈特曼亨強調，這樣的艾爾莎更貼近現代觀眾的視角——她從一個被壓迫的角色出發，開始質疑、挑戰、甚至違抗禁忌，展現強烈的自我意識。即使最終以悲劇收場，這條追尋自主的路仍值得被看見。


▲2014年德國萊茵歌劇院演出劇照（圖｜© Hans Joerg Michel／衛武營國家藝術文化中心提供）

超越善惡：角色間複雜曖昧的人性詮釋

此外，哈特曼亨更進一步挑戰了《羅恩格林》中傳統的善惡二元對立。她說：「作為人類，我們每個人心裡其實都有善與惡的成分。你不能簡單地說歐圖德（Ortrud）是壞人，艾爾莎就是好人，這對我來說有點太簡單了，因為她們倆都具有善與惡的部分。」在她的詮釋中，歐圖德雖然是陰謀的推動者，渴望權力、操控泰拉蒙（Telramund）達成目的，但同時，她也有脆弱與複雜的一面。哈特曼亨特別提到，她刻意安排歐圖德以「私密」的方式接近艾爾莎，甚至「假裝對她有好感」，讓角色互動充滿曖昧與張力。「人們的行為並不總是直截了當的，」她說，「有時正是那些帶著矛盾的舉止，給我們帶來意想不到的轉折與新的視角。」她希望透過這些暗示性設計，讓觀眾重新思考角色之間的關係，也探索人性中隱藏、甚至無法被定義的面向。

談到《羅恩格林》的結局，哈特曼亨提出了與傳統版本截然不同的處理方式，在她2014年的版本中，艾爾莎失蹤的弟弟並未現身成為新的救世主。她坦言，這樣的情節安排對她而言太過荒謬且毫無說服力，「人們總在等待某個外來的力量來拯救我們，但這種思維，正是我想透過創作去挑戰和突破的。」她進一步說明：「我們不能一直把希望寄託在外部力量上，因為真正有能力拯救我們的，應該是我們自己。」她期望透過這樣的改編，提醒觀眾，每個人都應為自己的選擇和命運負責，社會真正的希望，則應建立在彼此信任與支持之上。


▲2014年德國萊茵歌劇院演出劇照（圖｜© Hans Joerg Michel／衛武營國家藝術文化中心提供）

華格納的開放提問：音樂引導觀眾尋找答案

在藝術總監簡文彬眼中，《羅恩格林》是一部具雙重意義的作品，不僅標誌著衛武營首度挑戰華格納歌劇的里程碑，也是一部相對親近、適合作為「入門華格納」的作品。他指出，相較於晚期如《帕西法爾》或《尼貝龍指環》等龐大厚重、情節密實的作品，《羅恩格林》仍保有義大利歌劇的段落感與旋律性，即便全劇三幕長達約四小時，仍有明確起伏與呼吸空間。「你不會覺得怎麼還沒唱完，」他說，「而是會一步步被劇情帶進去。」《羅恩格林》雖是華格納最後一部以「浪漫歌劇」標示的作品，但已經可見其邁向「樂劇」的創作語法，無論是音樂與歌詞的緊密結合、主導動機的運用等，都展現出成熟的風格輪廓。這部作品處於傳統與革新交界，旋律清晰、段落分明的特質，被稱是「最具義大利風格的華格納歌劇」，甚至義大利歌劇巨擘威爾第，也曾不諱言地表示《羅恩格林》帶給他巨大震撼，進而影響了其後期歌劇如《阿伊達》的創作。


簡文彬也幽默提醒觀眾，面對這樣一部長度與強度兼具的作品，身心準備也很重要：「先把自己身體搞定，進場後就不用想太多，讓音樂帶著你走就對了。」即便不懂德文，也能透過華格納精心設計的主導動機理解劇情發展。例如高音域弦樂象徵聖潔的聖杯意象，木管樂器則映照出艾爾莎的純真——只要沈浸於音樂之中，自然能感受到歌劇中的情感。



導演哈特曼亨則從另一個角度回應「主導動機」的意義。她認為，華格納確實建立了一套極為縝密的動機系統，音樂本身具有高度的指向性與象徵性，但這些元素的價值並非一成不變，而是需要不斷被重新詮釋與賦予當代意義。「你無法找到一個能持續幾個世紀的固定答案，」她說。「華格納作品的卓越之處，在於它提供了一個巨大的模式，讓每個時代的藝術家都能與之對話。」因此在舞台語彙上，哈特曼亨不綁定特定文化或時代設定，而是運用全球性符號、轉化神話象徵，以拉近觀眾與作品的距離。她強調，導演的核心任務，不只是幫助觀眾「理解劇情」，更要提供一個能與現實產生連結的切入點。「身為導演，我的職責是幫助當代觀眾找到與自身現實的連結，讓作品引起個人共鳴，觸發新的感受。」她指出，《羅恩格林》雖帶有童話與神話色彩，其中的非理性成分，恰好與現代社會對金錢、資訊乃至於權威的「信仰」如出一轍，那種不假思索的信任，是跨時代的心理現象，也正是她希望觀眾從作品中反思的主題。在她看來，華格納作品中關於人性的提問與探究，是跨越時空、能與每個時代對話的永恆命題。

經典與當代的對話：導演手法背後的思維

談及與導演莎賓娜・哈特曼亨的再次合作，簡文彬表示，儘管外界或許會將她的現代化手法視為一種顛覆，但其實這在戰後歌劇導演界早已成為重要風潮。導演們發展出「第二文本」的概念，在不改變音樂內容的前提下，透過時空場景的轉換來賦予作品新生命，點出當代社會處境與觀點。簡文彬指出，這種讓經典與當代對話的手法，在德國等劇院林立、競爭激烈的環境中早已蔚為顯學，不僅開展新的詮釋，也帶來實質的吸引力與話題性。他本人曾指揮過這個製作，認為哈特曼亨的處理相對中庸，並未走向極端，她只是順應了這股藝術洪流。他相信，這種手法能有效吸引觀眾目光，讓經典不再只是遙遠的歷史文本，而能在當代視野中重新被閱讀、被感受，進而挑戰我們對歌劇的既有想像。



展望未來，簡文彬強調：「就是要一直不斷地做」。他希望衛武營所推動的歌劇，不僅是台上的演出，更是深入體驗藝術的媒介。除了大師講座、創意學習工作坊、演前導聆等周邊活動外，這次更特別在劇院外牆打造「時光隧道」展覽，回顧十年歌劇歷程，讓觀眾更貼近歌劇的製作軌跡。

「經過十五齣歌劇的累積，衛武營已準備好邁向下一個里程碑。」簡文彬表示。多年來與觀眾並肩走過，已建立起堅實的觀演基礎與藝術信任。「我想，時候到了，我們可以一起來挑戰華格納，就從《羅恩格林》開始！」他熱情邀請觀眾一同投入這場藝術挑戰，這不僅是衛武營的重要轉捩點，更是一場集體參與的藝術盛會。從舞台上的表演者，到幕後團隊，再到走進劇場的每一位觀眾，都是這段旅程的共創者。衛武營的歌劇之路，也將在不斷的累積與創新中，持續拓展更多可能。

〔註1〕Jochen Hörisch, Man muss dran glauben – Die Theologie der Märkte, Frankfurt am Main: S. Fischer Verlag, 2007.
〔註2〕原文為德語「Der Glaube an das Wunder ist das Wesen des Wunders」。


▲主圖 左/衛武營藝術總監簡文彬、右/歌劇導演莎賓娜・哈特曼亨（圖｜衛武營國家藝術文化中心提供）

華格納歌劇《羅恩格林》

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